El Montaje en el Lenguaje Audiovisual

Lenguaje Audiovisual

Apunte - El Montaje en el Lenguaje Audiovisual

MONTAJE

Tipos de Montaje

Muchos han sido los teorizadores que han establecido sus tablas de montaje, Balazs, Pudovkin, Eisenstein y otros muchos más. Eisenstein proporcionó una mejor sistematización de todos los tipos de montaje, a los que añade de modo particular su montaje ideológico, que dio al cine una importante base teórica a un proceso hasta entonces puramente técnico. Eisenstein clasifica las diversas clases de montaje en función de la escala y duración del plano y según la totalidad del relato.

Según la escala y duración del plano:

Analítico: realizado basándose en encuadres con planos cercanos y de corta duración. Se presta a lo expresivo y psicológico.

Sintético: realizado basándose en encuadres que contienen planos lejanos con profundidad de campo.

Se trata de obtener una visión más completa de la realidad, sin analizar los hechos de cerca, da lugar a planos-secuencia.

Según la totalidad del relato:

Narrativo: tiene por objeto contar una acción y desarrollar una continuación de sucesos. Nos ayuda a

considerar la película como una totalidad significativa. Hay cuatro tipos de montaje narrativo:

Lineal. Paralelo. Invertido. Alterno.

Expresivo: se busca la manifestación del mundo interior del director y el mayor impacto en el espectador. Se puede dividir en:

Rítmico. Ideológico.

ORÍGENES

HISTÓRICOS DEL MONTAJE

La fase más importante en la postproducción de una obra de cine o video, es la denominada: Montaje. El término fue acuñado en Francia durante los primeros años del cine, en un momento en el que consistía

en una simple clasificación y empalme de las distintas tomas, junto con la inserción de los títulos de cabecera y final. La palabra montaje, utilizada para definir estas tareas, también fue adoptada en otras lenguas para idéntico fin. En Italia se usó montaggio, en Portugal, montagem, en Holanda y Bélgica, montage, en Polonia, montaz, en sólo dos idiomas el término cambió. En Alemania, el montaje se

denomina schnitt que significa corte. En la lengua inglesa se utilizó primero el término cutting, y después edition, palabra de origen latino que en su forma simplificada significa dar a luz. Al surgir el video, el concepto de corte fue desapareciendo, y el término editing fue adoptado como norma estándar.

Lenguaje fílmico y montaje

El cine en sus orígenes tenía unos recursos narrativos muy limitados. Fue David W. Griffith quien primero utilizó en forma continua y coherente las primeras técnicas del lenguaje fílmico. De este modo Griffith fue

el primero en realizar un flashback, la técnica de las tomas paralelas y su alternancia para generar el interés de la audiencia, el empleo de la cámara en movimiento y la toma de detalle o gran primer plano. Con estos recursos, entre otros, fue como pudo hacerse famoso en 1915 y 1916, con el Nacimiento de una

nación[1] e Intolerancia. Las películas de Griffith llegaron a la Unión Soviética después de la Revolución de 1917, y tuvieron una acogida extraordinaria por parte del público, los políticos y los cineastas de ese país. Lenin captó el potencial que tenía el cine como medio de comunicación de masas y vislumbró sus posibilidades para usarlo en beneficio de la nueva sociedad que surgía. Pudovkin, Kulechov y Eisenstein[2], fueron los cineastas rusos más famosos por su estudio de las técnicas del montaje y sus teorías sobre las posibilidades narrativas, expresivas y plásticas de este recurso. Todos ellos concluyeron que el montaje era la más importante técnica del cine, y el rodaje sólo un mero proceso de registro. Esto determinó una larga serie de discusiones que con el tiempo atenuaron los conceptos de esta clasificación tan drástica. Y el montaje, quedó aceptado al final como una técnica de vital importancia para el film, pero dependiente del rodaje, sea en el encuadre, en la angulación de la cámara, en la selección del plano, en el movimiento de los actores dentro de la pantalla etc.... La etapa más fructífera para el desarrollo del lenguaje audiovisual, se efectuó en las décadas de los años 30 y en la de los 40. En ese período de veinte años se consolidaron los fundamentos de la gramática narrativa por medio de imágenes y sonidos que se sigue empleando hasta hoy día. El armado de una escena o secuencia en base a múltiples tomas captadas desde distintos ángulos, fue una de las prácticas adoptadas en el cine de Hollywood. Esto llevó a la concepción de tomas maestras y permitió asimismo perfeccionar en el montaje la combinación de planos.

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[1] Revisar película.

[2] Revisar El Acorazado Potemkin

El Movimiento de Cámara

El Movimiento de Cámara

En sus orígenes, la cámara en el cine no tenía movimiento. Los planos se filmaban estáticos y sólo los personajes u objetos se movían dentro del cuadro.

Al principio, simplemente porque no se había pensado en ello, pero esta situación duró muy poco. Las cámaras eran fáciles de mover, pues eran pequeñas y livianas, así es que muy pronto, el movimiento se hizo también parte del lenguaje naciente. Poco a poco, casi todos los movimientos que hoy conocemos se incorporaron en la narrativa cinematográfica, siempre con un propósito significante.

Sin embargo, con la incorporación del sonido al cine, las cámaras se volvieron grandes y pesadas, lo que dificultó enormemente moverlas y, por un período bastante largo, el cine volvió a quedar quieto, al menos en aquellas partes en las que debía escucharse a los actores. Fue tan brutal el efecto, que no faltaron los directores, productores y técnicos que rechazaron fervientemente la incorporación del sonido, al punto de encontrarla inadecuada para el cine, desatando una discusión que duró casi una década y que dividió a los creadores en dos bandos: los que apreciaban la incorporación del sonido, a pesar de las limitaciones que imponía, y aquellos que la rechazaban, por ese y otros motivos.

Se pueden establecer cuatro relaciones entre el movimiento de la cámara y el movimiento de lo que se filma, sea un personaje o un objeto y que, en adelante llamaremos SUJETO: el primero, cuando ambos, la cámara y el sujeto están quietos; el segundo, cuando la cámara está quieta y el sujeto en movimiento; el tercero, cuando ambos están en movimiento; y el cuarto, cuando sólo la cámara se encuentra en movimiento.

Además, podemos dividir los movimientos en dos grupos: los mecánicos, que son todos aquellos en los que es la cámara la que se mueve; y los ópticos o post-producidos, que son aquellos en donde es el lente el que produce el movimiento o en aquellos donde el movimeinto ha sido creado en post-producción.

Entre los mecánicos, están:

Los Paneos, que pueden ser, a izquierda, a derecha, llegando incluso a ser circulares; y arriba, abajo, que también se llaman Tilt (up o down, según corresponda). Estos movimientos se generan rotando la cámara sobre su propio eje, es decir, sobre su cabezal, y pueden ser eventualmente combinados entre sí. Los paneos se pueden utilizar para describir un lugar u objeto o para seguir a un personaje u objeto. En cualquiera de los casos, suelen generar una suerte de tensión o expectativa en el espectador. En esta misma categoría, podríamos situar un movimiento algo diferente, llamado Aberrante u

Holandés, que corresponde a la inclinación lateral de la cámara ha

cia derecha o izquierda. Este movimiento significa desestabilización de la realidad o la psicología del personaje, ya sea por efectos internos o externos.

Los Travelling, que pueden ser laterales, hacia ambos costados; hacia adelante o atrás, rectos o diagonales; circulares, que pueden mirar hacia dentro o hacia fuera del giro; y el llamado plano secuencia, que es en definitiva un travelling que va hacia donde vaya

el sujeto, siguiéndolo, o simplemente hacia donde vaya el camarógrafo, cuando no sigue a nadie, sino que se acerca al sujeto. Estos movimientos se generan trasladando la cámara en el espacio, la mayor parte de las veces en un equipo llamado Dolly, que se desplaza sobre ruedas guiado por unos rieles, pero también sobre elementos de la vida cotidiana como una silla de ruedas, una patineta, un auto, un avión o un barco y, en definitiva, sobre cualquier elemento que permita trasladar la cámara de una posición a otra, incluidos el hombro o las manos del camarógrafo y, desde hace algunos años montada en un SteadyCam, que es un equipo estabilizador que permite el desplazamiento de la cámara sin que en el resultado notemos temblores o imperfecciones producto de los movimientos del cuerpo del operador de cámara. La mayor parte de las veces se utilizan para seguir al sujeto. Y también suelen generar tensión o expectativas en el espectador.

Las grúas, que pueden subir o bajar, vertical o diagonalmente, y también moverse circularmente, sobre el eje del brazo de la grúa. Se utiliza con mayor frecuencia para describir espacios, aunque también para acentuar la tensión, especialmente cuando se acerca al sujeto. Con mucha frecuencia otorga la sensación de definición, es decir de término, de final.

Y para los ópticos, están:

El Zoom, que acerca o aleja el plano, según vaya hacia adelante o retroceda. Resulta parecido al travelling, aunque al no desplazarse la cámara de su lugar, sino sólo moverse las lentes en su interior, produce un efecto de cambio de distancias focales que sólo ocurre en el cine, por lo que puede resultar poco natural, aun cuando ya se ha hecho conocido y aceptado entre el público. Normalmente se utiliza para acentuar o destacar al sujeto.

Y los movimientos creados digitalmente en post producción, que en la modernidad, pueden ser variados, pero que normalmente imitan alguno de los movimientos mecánicos u ópticos ya descritos, aumentándoles sus propiedades, ya sea en la velocidad o los alcances, consiguiendo magnificar sus significados, muchas veces al punto de llevarlos a la irrealidad.

La mayor parte de estos movimientos se pueden combinar entre sí, consiguiendo nuevos efectos y significados para el público.

Como quiera que sea, el movimiento en el audiovisual es, fue y será una herramienta poderosa para proporcionar emoción y significado a la imagen y, en combinación adecuada con el sonido, pueden resultar verdaderamente reveladores para la comunicación.